LO MEJOR DE 2010

LO MEJOR DE 2010: 10 discos indispensables

10 BODY TALK robyn

La sueca es una veterana en las pistas de baile, sin embargo tomó un riesgo en 2010: tras más de cinco años sin lanzar ni una sola canción al mercado, se propuso crear una trilogía de EPs bajo el nombre de “Body Talk”. Y finalmente lo logró, y la guinda de la torta es la recopilación de los mejores tracks en el LP Body Talk(Cherrytree/Konichiwa/Interscope).

Pero lo importante no va en la cantidad sino que en la calidad y variedad del material de Robyn. Ella sabe bien qué funciona cuando se trata de mover a la gente en la pista de baile. Pero también Body Talk resuena como una convincente caravana de posiciones acerca de las relaciones, del orgullo, de la actitud y de lo que siente una mujer que se ve segura pero que por dentro es como todas.

Aunque, como artista, Robyn no es como todas. Su sentido del humor es muy especial, su conocimiento de todas las mañas del synth pop está comprobado y entiende que reinventar sus propias canciones es parte de su crecimiento.

Lo que hace interesante a este recopilatorio no es sólo la calidad de las canciones, sino que los cambios sobre las acústicas “Indestructible” y “Hang With Me” delatan que Robyn no sólo lanza sus composiciones, sino que también se preocupa de su desarrollo, incluso más allá de un álbum.

Desde que notamos que ella toma el control de todoBody Talk habla más fuerte y claro que nunca. Y el pop debería agradecerle por ello.

9 TEEN DREAM beach house

Me da igual si este disco tenga un serio alcance de nombre con el de Katy Perry (Teenage Dream, RCA, 2010), la diferencia más importante es cuál de los dos conceptos es más fuerte. Para la intérprete de “California Gurls” lo esencial es lo adolescente. En cambio, Victoria Legrand y Alex Scally se concentran en soñar. O de hacernos soñar.

Teen Dream (Sub Pop) se inscribe en esa categoría de álbumes hechos para alucinar y consumir azúcar por las orejas.

Pero a diferencia de muchos intentos que se desinflan y explotan como globo de goma de mascar, Beach House construye música de ensueño, un pop con tantas influencias desde el noiserock de Joy Division o My Bloody Valentine hasta el pop más clásico de Fleetwood Mac —una referencia obligada al hablar de pop con guitarras, sino que lo diga Belle And Sebastian—.

Pero en Teen Dream hay algo más. Hay aura y espíritu, hay armonías, voces al estilo Beach Boys con un fraseo y entonación tan particular de parte de Victoria. Y también hay tristeza, profunda, que se trata de tapar con buenos deseos, con buenos recuerdos. Pero sobresale la nostalgia (“Used To Be”), las ganas de hacer algo para lo que no se tuvo coraje (“Silver Soul”, “Walk In The Park”) o la necesidad de tener a alguien que se merezca nuestra preocupación (“Lover Of Mine”, “Real Love”).

Y sobresale un temazo como “Norway”, tan dulce como al borde del desmayo. Con menos frenesí, pero con mayor intensidad. Tras escuchar varias veces “Norway” queda claro que un sueño adolescente es más cercano a la nostalgia a puertas cerradas que a las fiestas en una casa en la playa. Beach House entiende eso a la perfección.

8 BROKEN DREAMS CLUB (EP) girls

Chet “JR” White es más importante de lo que muchos quieren creer. La fuerza creativa de Girls no sólo radica en las sólidas y únicas composiciones de Christopher Owens. Y es cierto que las canciones son increíbles y que tanto el LP Album (True Panther, 2009) como el EP Broken Dreams Club (True Panther, 2010) son impecables, pero es el “trabajo invisible” de White el que le da profundidad a una obra que sin esas pinceladas de brillo sería sólo una muestra de lindascanciones.

Y en este EP Girls consigue llevar su genialidad mucho más allá, precisamente en la producción. Owens sigue escribiendo tan angustiado como luminoso, pero White merece un poco más del foco de atención. Una muestra obvia es el maravilloso track final, “Carolina”, una canción que se mueve como un verdadero viaje, en una interpretación llena de capas, un búnker sonoro que es tan impenetrable como cautivante, con diferentes niveles de ecos, cambios en la voz de Chris, instrumentos que aparecen y desaparecen.

Pero no todo es “Carolina”, también está la juguetona guitarra en “Thee Oh So Protective”, la balada clásica de “Heartbreaker”, los efectos cercanos a las imágenes de un atardecer en “Broken Dreams Club”, el ritmo pausado y a la vez movido de “Alright” o la simpleza llena de pesar de “Substance”. Cada una tiene ese ingrediente mágico en la producción además de, por supuesto, el mayor trabajo de Owens como frontman, lo que involucra que cada vez más todos nos podamos sentir parte de su melancolía, y también parte de ese club de los sueños/promesas/amores/añoranzas, etc. rotos.

7 THE SUBURBS arcade fire

Las expectativas matan hasta el mejor de los trabajos. Y eso le pasó a Arcade Fire. Es que cuando un grupo saca un debut tan impresionante como Funeral (Merge, 2004), todos esperan ver que se mantenga la calidad. Neon Bible (Merge, 2007) no fue lo esperado, sólo algo distinto. Pero los canadienses cada vez se hicieron más conocidos. Desde Foo Fighters hasta Peter Gabriel han versionado sus canciones y eso sólo puede hablar bien de ellos.

Pero es claro que es muy complejo analizar el caso de The Suburbs (Merge, 2010) simplemente porque la crítica construyó cierto halo de incertidumbre e inconformidad con el tercer álbum de Win Butler y los suyos.

Y algo es claro: The Suburbs sostiene un concepto, coherencia, desarrollo compositivo y de producción totales. Sus 16 tracks se mueven en medio de algo tan norteamericano como los “suburbios”, o áreas residenciales con identidades bien demarcadas.

Arcade Fire podría haber caído en el cliché, con su estilo barroco desbordado, pero no es el caso. The Suburbs parte con el misterio y potencia bien controlada del track homónimo para pasar inmediatamente a la fuerza de “Ready to Start” y luego a la calma con horizontes gigantescos de “Modern Man”.

La coherencia también es ayudada por los diferentes personajes que adoptan Win y Régine Chassagne. “We Used To Wait” hablan como adultos cuya vida ha pasado por mucho, en cambio en “The Suburbs” parecen jóvenes que recién descubren la dinámica de la vida.

Pero no todo es bueno. Por primera vez Arcade Fire tiene un par de tracks que desentonan en su perfección. “Deep Blue” y “Wasted Hours” son buenas canciones pero no llegan al nivel de las demás, armando un bache que The Suburbssufre, aunque de todas formas le alcanza, con su relevancia y por el hecho de acercar al mainstream al septeto canadiense, para inscribirse como uno de los mejores lanzamientos del año.

6 ENTREN LOS QUE QUIERAN calle 13

El mejor disco latino del año tiene varios ingredientes que lo hacen un imperdible. Conciencia social, variedad estilística, actitud, coherencia y singles exitosos. Todo eso se corresponde en un álbum tan inclusivo como directo, y una continuación más madura y menos exuberante del gran Los De Atrás Vienen Conmigo (Sony, 2008).

“Calma Pueblo” fue el preámbulo perfecto para un álbum que tendría (incluso) mucho más que mostrar. Pero lo importante no son los tracks, sino que el espíritu que termina transmitiendo el cuarto LP de Calle 13. Residente y Visitante consiguen un sonido latinoamericano que se une a estilos universales para ser la voz de América Latina, para incluir a todos en su mensaje, para no envidiarle a nadie y llevar la calle a los oídos del mundo. Y lo consiguen.

“Latinoamérica” debe ser la gran canción de la carrera de Calle 13, con un sonido tan primitivo como moderno. Si Vampire Weekend lleva África a Norteamérica, Calle 13 trae las tribus precolombinas al presente. Pero no es la única referencia que los portorriqueños consiguen mover de sus cimientos. También la que se tiene sobre su propia música. Calle 13 pasó de ser un grupo de reggaetón en sus inicios a consolidar lo que se puede catalogar como un sonido latinoamericano moderno.

Sólo por esto último merecería ser destacado como un gran lanzamiento del año, pero además Calle 13 consigue sonar impecable, teniendo una producción de lujo, con cada instrumento sonando cercano, en el volumen preciso.

Actitud + Trascendencia + Producción = Calle 13 = El disco latino del año.

5 BEFORE TODAY ariel pink’s haunted graffiti

La música debe ser una de las áreas donde más importa cómo se implementan las ideas. A veces, ideas horrendas son maquilladas de tal forma que parecen ser las mejores. En cambio, a Ariel Pink le pasaba lo contrario. Con buenas ideas, su estilo lo-fi y artesanal no podía tener un buen desarrollo en los múltiples EPs que lanzó en los albores de la década del 2000.

Pero en 2010 logró darle lustre a sus ideas, más cercanas a la radio AM sesentera, con influencias claves de The Velvet Underground.Before Today (4AD) es el primer trabajo de Ariel Pink’s Haunted Graffiti, la banda que el artista armó para crear material con la calidad que las ideas merecían. Y lo hizo.

Before Today suena coherente de principio a fin, apoyado en una estética común, composiciones bien pensadas pero también por las historias que cuenta Ariel junto a su banda. Por ejemplo, en “L’estat (Acc. To the Widow’s Maid)” se grafican las dudas de una mujer que mata a su empleada porque esta no ordena las cosas como a ella le gustaría, o en “Menopause Man” donde se explora en la confusión de género con un hombre de mediana edad que no entiende sus cambios de ánimo y culpa a su cuerpo.

No sólo se trata de un buen álbum sino que también de una propuesta sonora que ha sido dejada de lado en el último tiempo, donde todos quieren sonar o muy old-school o muy avantgarde, pero donde siempre quieren calidad. Allí Ariel Pink se destaca al intentar que las canciones suenen deslavadas, pese a la impresionante producción de su winning single y la mejor canción del año “Round And Round”.

Before Today es una muy buena idea, o un grupo de ellas. La estética lúgubre de sus historias unida con su frescura sonora se unen a composiciones poderosas que unen la playa con la ciudad, la tristeza con la luz y la música con las letras. Un disco completísimo que vale la pena escuchar después de hoy.

4 THE ARCHANDROID janelle monáe

El problema de la música llamada “negra” es que sus exponentes tienden a ser muy egocéntricos y muchas veces su música es entrampada en la personalidad y manera de actuar de los artistas. La mayoría de las veces esto deriva en desastres y muy pocas la música es digna.

Por eso ya es destacable lo que hace Janelle Monáe, siendo lo suficientemente enigmática como para dejar que sus canciones hablen por ella. Pero el resultado también muy bueno. The ArchAndroid (Bad Boy / Wondaland Arts Society) es una mezcla de R&B, hip-hop, soundtrack scores de ciencia-ficción y pop-rock que pocas veces escapan a la convención, pero que consiguen tener una coherencia notable.

A esto ayuda el hecho de que The Archandroid es la continuación de su EP Metropolis: The Chase Suite (Bad Boy, 2007), que era la primera suite de cuatro que Janelle ha planteado. Y The Archandroid tiene la tercera y cuarta suites muy identificables, con aperturas a-la Star Wars o Jurassic Park. Y es que en la historia planteada por Monáe se habla de un mundo donde la tecnología y el futuro luchan contra los influjos de los sentimientos y sensaciones de los humanos, graficando de gran manera los conflictos entre lo humano y lo tecnológico y sus implicancias, como la falta de igualdad en el lead-single “Tightrope” —con la incomparable ayuda de Big Boi— y el arrojo de los problemas internos en la movida “Cold War”, o el rescate de los paisajes que se dejan atrás en la sorprendente y folk “Oh, Maker”.

Monáe se acopla a cada estilo y a cada personaje pero también logra un producto que crece con cada revisión a The Archandroid. Y es que ella apareció prácticamente de la nada. No tuvo el camino tortuoso del que se ufanan otros exponentes del R&B, sino que todo fue talento e iniciativa. Y por eso la cuarta suite de esta historia nos tiene esperando expectantes. Porque Janelle deja que su música hable por ella.

3 CONTRA vampire weekend

No es complicado entender por qué hay gente que odie a Vampire Weekend. No se avergüenzan de ser quienes son y de hacer todas las mezclas que quieren. Pero también tienen la ubicuidad para hacer crecer su propuesta, llena de reminiscencias al pop sudafricano, el ska, el synth-pop o el reggae, siempre con la actitud necesaria.

Muchos pueden creer que el nombre Contra (XL) puede venir de los grupos insurrectos y guerrillas centroamericanas, pero en realidad es un nombre que se asocia más a un tipo de persona, tal vez, esa forma de actuar de quienes eran su Contra, sus enemigos, pero también a quienes no aceptan ser como quisieran ser, tal como lo hacen ellos.

Por eso hace sentido el track final “I Think Ur A Contra” donde se abandona un tanto el espíritu potente y el cuarteto neoyorkino cede en un compromiso, en una elección unívoca, sorprendente en su mezcla. Y es que VW deja las sospechas o la venganza y abraza un final abierto, identificando a sus Contras pero no haciendo al respecto nada más que irse en paz.

En un álbum ambicioso, con líricas ingeniosas y llenas de cultura pop, como las referencias a Nueva York en “Taxi Cab” o los chistes lingüísticos de “Cousins”, sorprende pero ni tanto que se atrevan a terminar con una canción “de amor”. Pero ese es el espíritu de Vampire Weekend, siempre intentando encantar y sorprender, no importando cuantos contrarios haya en su camino.

2 THIS IS HAPPENING lcd soundsystem

Se supone que es el final del grupo armado por el genial James Murphy. Se supone que es el cierre de una era y que This Is Happening(Virgin / Parlophone / DFA) debería sonar a despedida. Se supone que LCD Soundsystem no va más y que se retira en su peak.

Pero es difícil que le creamos a Mr. Murphy y su tropa. Especialmente cuando se manda un álbum tan cercano a la perfección en coherencia, inventiva y producción. Es que LCD Soundsystem se convierte cada vez más en el producto de la obsesión musical de James Murphy, con cada detalle, cada compás, cada canción y cada sonido breve pero significativo.

En su tercer LP propiamente tal —45:33 (Nike / Virgin / DFA, 2006) no era parte del plan de Murphy para conquistar el mundo— LCD SS se mueve en las aguas de sus influencias. Fuera de buscar mirar hacia adelante, reinventan cada pieza de la etapa más bailable de Bowie o el synth-pop ochentero, o la construcción de atmósferas de Brian Eno… Pero suena a 2010, siendo tan 1983. He allí algo notable.

This Is Happening es intenso, pese a la forma deliberadamente suave en la que suena. Si Sound Of Silver (EMI /DFA, 2007) era parte de mirar a los otros y decirles cómo se sienten, en 2010 LCD SS claramente se mete en la carne de las emociones propias, de forma cruda y transparente. Allí es donde es más sencillo notar la genialidad de este registro y sus múltiples puntos de coherencia. Pese a que “All I Want” con su guitarra más importante que la voz o “I Can Change” y sus sonidos maravillosamente instalados en los 80s sean las canciones más inmediatamente valoradas, el subvalorado single “Drunk Girls” en realidad marca la necesidad de Murphy por sentir conexiones, vínculos humanos fundamentales como los del amor, pidiendo honestidad y “despertar juntos”. O la metalingüística “You Wanted a Hit” donde Murphy y los suyos confrontan las necesidades de los artistas y las audiencias frente a la idea de éxito.

This Is Happening quiere graficar en todas sus letras que el fin de una era se acerca, pero es complejo creer aquello cuando LCD SS abre tantas puertas en nueve tracks impecables. Este nerd-pop-rock parece que no se va a acabar tan fácil, porque está pasando, está ocurriendo.

¿Por qué este álbum es tan bueno? Fuera de todo lo sentimental y el amor que podamos sentir por una propuesta tan coherente, también hay composiciones que uno siente que tienen la actitud en cada compás, en cada construcción y en cada instrumento que se va agregando en los in crescendos, y también vale destacar la apuesta por mantener un producto impecable. Cuatro LPs, varios EPs y remezclas dan como resultado más que un álbum, sino que una escuela que ahora mucho replican pero que sólo tiene un LCD Soundsystem. Y esto sigue ocurriendo.

1 MY BEAUTIFUL DARK TWISTED FANTASY kanye west

Muchos creen que un buen álbum para ser coherente tiene que ser obligatoriamente uno conceptual. Que sin historia común, no hay total desarrollo.

Kanye West armó una historia común en su video de 35 minutos “Runaway” donde varias canciones de su disco aparecieron. Pero no fueron todas. Tampoco dijo nunca que su álbum fuera conceptual. Y es que, pese a todo lo que podamos pensar, West sabía que la música debía hablar por sí misma y, en mucho tiempo, sabía que ni él mismo con su inmenso ego podría igualar el impacto de su álbum.

My Beautiful Dark Twisted Fantasy (Def Jam / Roc-A-Fella) es un discazo por donde se lo mire. Sus 13 tracks construyen un sonido que va mutando pero que mantiene un carácter que conforma el hilo conductor no de la historia, sino que del sonido, lo que es más difícil de lograr.

“Dark Fantasy” es un prólogo perfecto, con aires de misterio y calma, pero “Gorgeous” marca un camino, donde Kanye invita a sus amigos a armar un súperalbum. Kid Cudi y Raekwon logran darle mayor profundidad a un funk-pop que crece y crece. De ahí, la increíble “POWER” con Dwele, donde se demuestra el elemento clave del éxito de West: su talento innegable como productor. Pese a que es su disco y que su ego es gigante, también tiene la capacidad de desdoblarse y ver desde afuera sus propios problemas y vulnerabilidades, con lo que consigue armar calidad suprema donde sólo habría un puñado de buenas ideas. Y “POWER” lo hace sampleando a King Crimson y su obra de 1970 “21st Century Schizoid Man”, realmente con un grado notable de intertextualidad para esta época.

Si queremos colaboraciones, allí está “All of the Lights” donde desfilan Rihanna, Fergie de Black Eyed Peas, Elly Jackson de La Roux, el propio Kid Cudi, Alicia Keys y, aunque usted no lo crea, Sir Elton John. Y lo mejor es que todo suena bien. Toda esta exuberante cantidad de elementos están en la medida justa entre la ambición de Kanye y el buen gusto.

Pero el epítome de Twisted Fantasy es la canción donde la dualidad del carácter de Kanye queda más en manifiesto: “Runaway”. Tan vulnerable como poderoso, tan robot como humano, West logra armar un inquietante riff de piano que su une a la dinámica de su uso del Autotunes, mucho más pulido que en 808s & Heartbreak (Roc-A-Fella, 2008).

Y más aún. West armó el proyecto “G.O.O.D. Fridays” donde colgaba en su web tracks gratuitos, donde grandes canciones se sucedían. Y además West se convirtió en un twittero influyente, y también sigue en polémicas… O sea, un 2010 movido que, pese a cualquier tormenta, no pudo opacar un gran álbum. My Beautiful Dark Twisted Fantasygrafica lo que un álbum debe ser: coherente, con buenas canciones, bien desarrolladas y con la actitud correspondiente. Una fantasía hecha realidad.

LO MEJOR DE 2010: 20 canciones imperdibles

20 SHUTTERBUGG big boi [ft. cutty]

Big Boi tuvo miles de problemas para que Sir Lucious Left Foot: The Son Of Chico Dusty (Def Jam) saliera a la luz. Líos judiciales y conflictos por peticiones de Jive (disquera que en ¡2007! iba a lanzar este álbum) para hacer ringtones y volver más “vendible” el disco retrasaron la salida de un álbum que, por fin afuera, suena atemporal, lleno de un gran funk, rap y pop al más puro estilo old school, pero también siendo un presagio de lo que puede ser esta música en el futuro.

Shutterbugg” es la mejor muestra de Sir Lucious, siendo una exquisita mezcla de synth pop, guitarras chispeantes y un ritmo incesante pero imposible de dejar de escuchar, reeditando parte de lo mejor de Big Boi con Outkast, con ritmos imparables como “B.O.B.” delStankonia (Interscope, 2001).

Una de tantas señales de triunfo de un Big Boi que no se resignó a enterrar un álbum con canciones como “Shutterbugg” de las que seguiremos hablando por largo tiempo.

19 DESIRE LINES deerhunter

Halcyon Digest debe ser uno de los tres álbumes más alabados por la crítica en este año, sin embargo no llega al nivel superlativo de sus anteriores registros, simplemente por la falta de equilibrio o coherencia que Deerhunter había tenido de sobra. En vez de ello, nos debemos conformar con varias de las mejores canciones que nos ha entregado este cuarteto estadounidense.

“Desire Lines” tiene la gracia de presentar un lado más suave y progresivo, pero sin obviar la potencia de Deerhunter. Si Bradford Cox es el frontman la mayoría del tiempo, Lockett Pundt, lead-guitar, tiene su chance en esta canción etérea que es tan sentida como dulce.

En un álbum sobrevalorado, las composiciones y su desarrollo salvan la plata y “Desire Lines” merece todos los parabienes que la crítica ha desperdigado hacia un disco lleno de altibajos como Halcyon Digest.

18 HOY ME HICE LA MAÑANA los tres

Muchos dirán que Coliumo (FeriaMusic) no es un gran álbum, que Los Tres siguen explotando su fórmula y que dieciséis canciones es un exceso. Pero se olvidan de que en el séptimo álbum de estudio del trío penquista se encuentra tal vez su mejor canción desde Fome (Sony, 1997).

“Hoy Me Hice La Mañana” no tiene a Álvaro Henríquez como una caricatura llena de tics, ni tampoco hay un exceso de efectos sobre las guitarras. “Este dolor lo voy a disfrutar / y este amor ya se lo haré llorar” canta Henríquez en un son que no hace más que confirmar que, pese a todo, Los Tres todavía tienen sangre como para ser absolutamente genuinos.

Como dice el dicho sureño, Coliumo “se hizo la mañana” con un track inolvidable de Los Tres.

17 WHEN I’M WITH YOU best coast

Una de las buenas apariciones de 2010, Best Coast, trabaja sobre líricas simples y riffs potentes, mezcla de punk con noise-rock. Pero toda su aparente ingenuidad se rompe con la actitud que adoptan a lo largo del breve pero convincente Crazy For You (Mexican Summer), su debut discográfico y la muestra de que Bethany Cosentino y los suyos tienen más que ideas simples en la cabeza.

El romanticismo juvenil y playero (como la viral portada de Crazy For You sugiere) marca este disco, sin hostigar. Esto es porque Cosentino es directa y le pone corazón a cada línea y cada riff.

“When I’m With You” es la muestra de que una composición sencilla puede llegar muy lejos con un desarrollo consistente y la actitud correcta, que, casi siempre es la más genuina, real, con huevos, como la quieras llamar.

16 I WANT THE WORLD TO STOP belle and Sebastian

La mejor canción del séptimo álbum de Belle And Sebastian, Write About Love (Matador), es una construcción clásica del grupo que ya hace escuela y sabe que tiene su identidad más que desarrollada.

Y pese a las aparentes fórmulas, “I Want The World To Stop” suena fresca, desarrollada y generosa, como las mejores composiciones de Stuart Murdoch y los suyos.

“I want the world to stop / give me the morning / the afternoon / the night” pide Murdoch mientras sus compañeros tocan magistralmente una composición brillantemente desarrollada, continuando con su impecable labor. Y el final de la canción es un in crescendo delicioso. Así, que el mundo pare a cada rato.

 

15 TAKE IT IN hot chip

El tercer álbum de Hot Chip es una oda al amor comprometido, romántico y “para toda la vida”. One Life Stand (Astralwerks) no sólo es lo más sentimental que han lanzado los cinco de Londres, sino que también es lo más coherente y centrado que han ofrecido con su fórmula de pop de capas bien armadas y con reminiscencias al synthpop de los 80s mezcladas con buena música electrónica.

Y, si todos apuntan a “One Life Stand” como la canción ícono, “Take It In”, track final, es la mejor definición de cada fase de Hot Chip. Sintetizadores tan del pasado como del futuro, Alexis Taylor cantando tanto en tonos graves como agudos, un coro lleno de romanticismo y un cierre con un in crescendo que, cada vez más intimista, hace que el halo de caricatura que alguna vez rondó a Hot Chip se desvanezca.

“Take It In” es la canción más madura y sobria del quinteto londinense, dejándonos en ascuas a su siguiente lanzamiento.

14 GIVING UP THE GUN vampire weekend

Ezra Koenig tiene una de las cuentas de twitter más relevantes del contexto musical, simplemente porque le importan los fans. El vocalista de Vampire Weekend tuvo un grupo con un compañero de cuarto llamado L’Homme Run. Y, los exitosos autores de “Oxford Comma” desarrollaron esta composición como el track más vendible y bien logrado de su segundo álbum, Contra (XL).

En el video de “Giving Up The Gun” se demuestra gráficamente la diversidad de influencias del cuarteto de Ezra y compañía.

Y realmente esta mezcla quedó tan buena como intrigante porque una canción tan tierna y con tanto entendimiento por alguien que se quiere usualmente suena simplemente mamona, pero “Giving Up The Gun” tiene ese trabajo en la percusión tan típico de VW que hace que hasta lo más ingenuo suene con una potencia diferente. De lo mejor del año.

13 I CAN CHANGE lcd soundsystem

La canción más atemporal de James Murphy y los suyos es también un homenaje a sus influencias. El synthpop ochentero con un riff de teclado casi persistente pero con variaciones que lo enriquecen hacen de “I Can Change” el mejor track de This Is Happening(Virgin/Parlophone/DFA), el disco “final” —según Murphy— de LCD Soundsystem.

La persistencia de los elementos musicales en esta canción comparten el mismo sentimiento del vocalista cuando canta “I can change / if it helps you fall in love”, con una esperanza que viene de una nostalgia tanto en la letra como en la música.

También aquí se nota la producción de LCD Soundsystem como un detallismo que hace que cada compas signifique muchas cosas. Ecos de background, un bajo que se percibe pocas veces pero que una vez que lo haces te incomoda, o cambios leves en la voz de Murphy hacen que “I Can Change” sea más que un ejercicio de nostalgia, sino que una promesa ante el inminente final de uno de los proyectos más interesantes del tercer milenio.

12 FUCK YOU cee lo green

En EE.UU. claramente es la canción más exitosa del año dada su capacidad de ser transversal y llegar a todos los estratos. Pocas voces son tan privilegiadas y reconocibles como la de Cee Lo Green. En su disco The Lady Killer (Electra), el ex miembro de Gnarls Barkley vuelve a hacer pop pegajoso con grandes composiciones.

Por su parte, “Fuck You” es un fenómeno aparte, con 30 millones de reproducciones del video oficial en YouTube, cuatro nominaciones al Grammy y hasta una versión —decente— de Gwyneth Paltrow en Glee.

Y es porque esta canción es perfecta para decir “no me interesas pese a todo” y para criticar sagazmente a este mundo centrado en el dinero. Cee Lo no sólo se manda una de las canciones del año, sino que también se encarga de acrecentar su figura (“The Lady Killer” es, por decirlo menos, un título bastante narcisista) y llevarlo a la posteridad con una canción que seguirá dando de qué hablar.

11 CAROLINA girls

Christopher Owens y Chet “JR” White tuvieron un 2009 pleno, con su álbum Album (True Panther, 2009) siendo alabado por la crítica y con un sonido muy particular. 2010 no ha sido tan diferente. Girls lanzaron un EP, Broken Dreams Club (True Panther), de seis canciones verdaderamente brillantes.

Pero su cierre destaca como una de las composiciones mejor desarrolladas del año, con melodías cercanas al surfer rock de los 60s y con interpretaciones con influencias de Beach Boys y Joy Division.

“Carolina” es un viaje musical que aprovecha muy bien sus siete minutos y 43 segundos para cambiar de atmósfera varias veces. Cuando muchas canciones son un in crescendo constante y nada más, Girls consigue con “Carolina” dar la impresión de contener varias canciones en una sola. Una entrada intrigante, un intermedio muy cercano a “Laura” de Album y pasa a un final mucho más claro, casi como pasar de un clima nublado a un túnel, y salir con un día soleado. Definitivamente, en calidad, una de las mejores del año.

10 POWER kanye west [ft. dwele]

El hip hop es el estilo del tercer milenio. Desde el 2000 no hay un estilo dominante. La mezcla es la regla y el hip hop lleva haciendo eso desde los 80s. Por eso, no es sorprendente su gran influencia hoy.

Kanye West partió como productor, pero desde 2004 él mismo marca pauta en un estilo dominante. Y en 2010 todo su ser se volcó sobreMy Beautiful Dark Twisted Fantasy (Roc-A-Fella/Def Jam), su disco definitivo a la fecha.

“POWER” fue su primer indicio, una canción tan pegajosa como bien construida. Una demostración clave en las líricas de que Kanye se siente tan gigantesco como vulnerable.

Un rapero sampleando a King Crimson y citando su obra más conocida, “21st Century Schizoid Man” (1969), es el símbolo de estos tiempos, donde el pasado vuelve para formar parte de una mezcla donde, bien hecha, se nota que el artista la hizo parte de sí. “POWER” no sería la única canción de Kanye que demostraría todo su PODER.

9 THE GHOST INSIDE broken bells

Hablando de mezclas, James Mercer y Brian Burton venían de mundos completamente diferentes. Mercer como líder de The Shins, grupo (muy) indie y Burton, alias Modest Mouse, conocido por su trabajo de remezclas y sampleos. Pero se juntaron y lograron uno de los registros más interesantes del año: Broken Bells (Columbia).

En sus diez canciones, el disco debut de este dúo logra tomar todo el nivel compositivo del indie y las influencias de la música negra en un producto tan bien desarrollado como extravagante.

“The Ghost Inside” es el single más inmediato de Broken Bells y es un r&b-pop lleno de actitud, misterio y sencillez que no puede ser más que uno de los ritmos más pegajosos del año.

Broken Bells (o sea, Mercer y Burton) se anotan con una de las colaboraciones más interesantes de 2010.

8 DANCING ON MY OWN robyn

Pop. Tantos tipos y, de todas formas los echamos todos al mismo injusto saco. Pero lo que muchas veces se obvia es que también hay grandes composiciones, como las que marcan Body Talk(Cherrytree/Konichiwa/Interscope), recopilación de “lo mejor” de la trilogía de EPs que la sueca Robyn ha lanzado este año.

Lo interesante es cómo Robyn refresca compases y maneras de componer que han sido pasadas a llevar por el teenpop. Abba, Donna Summer, Gloria Gaynor o Talking Heads se inscriben como influencias de la sueca que con “Dancing On My Own” realiza una declaración de principios.

“I’m not the girl you take back home / I keep dancing on my own” canta Robyn casi diciendo que “más vale sola que mal acompañada”. Y tiene razón. Con ella basta para sacar afuera todos los sentimientos, para tener más fuerza e ir por lo que se quiere o, incluso, armar una fiesta en la soledad del dormitorio.

“Dancing On My Own” es un clásico inmediato y Robyn una de las artistas más interesantes de la escena pop mundial.

7 BANG BANG BANG mark ronson [ft. q-tip & mndr]

Record Collection (Columbia) debe ser una de las decepciones del año. Se suponía que Mark Ronson se reivindicaría luego de su débil Version(Columbia, 2007), pero el segundo álbum de este gran productor musical no cumplió esas expectativas. Sin embargo, su primer track/single “Bang Bang Bang” es una muestra casi perfecta de cómo se mezclan estilos para llegar a tener una canción pop atípica.

El riff de teclado es adictivo, los beats provienen claramente del hip hop, lo que se une al estilo de fraseo utilizado por Amanda Warner (alias Q-Tip) y MNDR mucho más rap que pop.

Pero también ese coro en francés y la construcción simple pero movediza de este track convierten a “Bang Bang Bang” en uno de los tracks del año, por no sucumbir frente a la tentación del ridículo y, además, por mostrar que, pese a todo, Mark Ronson tiene más sangre de la que él mismo nos quiere hacer creer.

6 TIGHTROPE janelle monáe [ft. big boi]

El primer LP de Janelle Monáe, The ArchAndroid (Bad Boy/Wondaland Arts Society) es una muestra de mezcla musical. Es indefinible lo que la artista quiere, pero sí sabemos que es muy ambicioso. Pero no por eso deja de ser accesible. Y esto se nota en tracks como “Cold War” o el destacadísimo dúo con Big Boi, “Tightrope”.

Monáe se siente cómoda en cualquier estilo y su humildad interpretativa le permite acoplarse genialmente en cada compás, por muy diferente que este sea. Su álbum es una clara muestra. Desde soundtrack scores de ciencia ficción hasta pop, The ArchAndroid es un desafío a las etiquetas y “Tightrope”, es un beat de energía constante donde las interpretaciones de Monáe y Big Boi son impecables y se acomodan a los beats y las guitarras imperceptibles o a los aplausos.

Importante es destacar que Janelle no se queda con temáticas fáciles. No es la típica cantante de pop que habla de dramas adolescentes, sino que de la igualdad, de las diferencias entre ricos y pobres y de cómo todo puede colapsar si no hacemos nada para resolverlo. Un sonido tan cierto como adictivo.

5 SPRAWL II (MOUNTAINS BEYOND MOUNTAINS) arcade fire

El penúltimo track de The Suburbs (Merge), el tercer álbum del septeto canadiense encabezado por el matrimonio entre Win Butler y Régine Chassagne, es el más claro en la coherencia casi total de este, uno de los mejores álbumes del año.

“Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)” recurre a la música disco, tal como alguna vez lo hicieron en Funeral (Merge, 2004) en el vals-disco “Crown of Love”, pero esta vez lo hacen con más fuerza, apoyados en la sólida interpretación de Chassagne, muy al estilo del disco europeo, ese que vio crecer a Abba como exponentes principales de un pop que ahora es referenciado hasta por bandas de heavymetal.

No es esa onda disco que dominó las pistas de baile, sino que ese tipo de canciones que se sirvió de esta música para llegar a los corazones y a los hogares. No es Bee Gees, sino que mucho más Blondie. Un estilo más de los suburbios que de los entornos más urbanos.

Allí es donde la coherencia de Arcade Fire es brutal, recreando una onda disco casi olvidada en pos de recordar con alegría/tristeza todos los momentos en un pasado en los suburbios.

“Sprawl II” es un disco-pop brutal, con desgarro y recuerdos contenidos que son el “cierre” perfecto para una de las grandes obras de 2010. Arcade Fire lo hizo otra vez.

4 CALMA PUEBLO calle 13 [ft. omar rodríguez-lópez]

Es claro que sólo unos cuantos pueden escapar al espíritu amateur de hacer las cosas en Latinoamérica. Parte de esa élite es Calle 13 y refuerzan su crecimiento musical en Entren Los Que Quieran (Sony-BMG), un álbum menos exuberante que el excelente Los De Atrás Vienen Conmigo (Sony, 2008) pero con más fuerza sobre líricas y estilos usados.

En este espectro, destaca el primer single, “Calma Pueblo”, que gracias a la colaboración de Omar Rodríguez-López, ex At The Drive In y actual miembro de The Mars Volta, suena muy Rage Against The Machine. Y esa potencia se traduce en letras incendiarias incluso sobre sus propios patrocinantes: “Adidas no me usa / yo estoy usando a Adidas”, por ejemplo.

Pero además las percusiones latinas, los ecos y sonidos que crean una atmósfera de subterráneo, el bajo independiente y con un trabajo notorio, todo eso se nota como producción increíble, a nivel mundial.

Los gritos finales de René Pérez (Residente) y el armado instrumental de Rafael Arcaute (Visitante) hacen de “Calma Pueblo” la canción latinoamericana del año y una de las mejores en el mundo, porque esa actitud, potencia, nivel de detalle y compromiso con su gente, sólo se encuentran en la Calle 13.

3 ON MELANCHOLY HILL gorillaz

Damon Albarn es un visionario. Poco antes del fin de Blur exploró en la world-music y comenzó a darle forma a su actual proyecto. Gorillaz no sólo era la primera banda virtual sino que también era la oportunidad de Albarn en salir del rock y mezclar el pop con el hip hop. Gorillaz (Virgin, 2001) fue un éxito, al igual que Demon Days(Virgin, 2005), pero la consolidación musical llegaría con Plastic Beach (Virgin, 2010), un disco con muchísimos más matices que demuestra la madurez de Albarn como artista.

Y si el vocalista de Blur se da maña para borrarse de la primera línea en Gorillaz, se reservó para sí la mejor canción, la nostálgica y hermosa “On Melancholy Hill”.

Esta balada enfermiza resuena en la cabeza de quien se anima a escucharla. Su hipnotismo viene de su armado como una sinfonía de synthpop con un chirrido constante que recrea una atmósfera extraña, casi como de otro mundo, como evoca la isla plástica, metáfora de Gorillaz para los desechos que están destruyendo el planeta.

No sólo el armado, su misterio o su estilo hacen incomparable a “On Melancholy Hill”, sino que también su verdad. Albarn ha reservado su realidad a un proyecto virtual, siendo más genuino que nunca en esta balada reveladora y hermosa.

2 RUNAWAY kanye west [ft. pusha t]

Si “POWER” nos mostraba toda la extensión del carácter de Kanye, “Runaway” es la traducción de todo eso que otros esconderían pero que él demuestra para marcar la diferencia. En el track más largo deMy Beautiful Dark Twisted Fantasy (Roc-a-Fella/Def Jam) Mr. West está de acuerdo con todos sus críticos, se pone de su lado y constata toda su fragilidad, humana pese a todo, y se propone un brindis para dejar atrás esos errores.

Luego se convierte en una especie de cyborg moribundo gracias al poder del AutoTunes, pero sin dejar de lado ese piano omnipresente, casi como un cuchillo punzante o como un tic tac incesante. Esa es la gracia de “Runaway”, su simpleza pero también el misterio y su construcción. Los arreglos de cuerdas, cada uso de AutoTunes, cada “let’s have a toast for the douchebags / let’s have a toast for the assholes”, donde claramente habla de sí mismo.

Ni hablar del video de 34 minutos donde “Runaway” es el centro pero que da pinceladas de todo Twisted Fantasy, con la grandilocuencia pero la fragilidad ante los leves lazos a las cosas que le hacen bien. Kanye no sólo es puro bla bla, sino que también tiene un corazón —no hay que olvidar que la mayoría de808s & Heartbreak (Roc-A-Fella, 2008) se basó en su quiebre amoroso— que cuidar. Y por el que valdría la pena escapar.

Con “Runaway” West hace un ejercicio de empatía notable pero también logra su composición de apariencia más sencilla pero con una complejidad que crece a medida que se va escuchando esta canción, la mejor del mejor disco del año.

1 ROUND AND ROUND ariel pink’s haunted graffiti

Si bien Kanye tiene el disco del año, él no tiene la canción del año. ¿Por qué? Sencillo: “Round And Round” con su armado impecable y su producción en Abbey Road le ganó a todo el grandilocuente proyecto de West.

Ariel Pink siempre fue un excéntrico, lanzando EPs con un sonido lo-fi depositario de influencias como The Velvet Underground, en especial en la forma de construir, mitad jam y mitad fórmula sus composiciones.

Pero en 2010 su tendencia cambió. Ya en 2008 comenzó a trabajar con otros músicos, armando finalmente el proyecto Ariel Pink’s Haunted Graffiti. Y en 2010 lanzaron Before Today (4AD) y la inconsistencia de sus EPs se desvaneció en un disco que experimenta pero que también se preocupa de sonar coherente. Surf rock, un sonido más teatral o incluso trazos de zombierock se advierten en un gran lanzamiento de 2010.

Pero lo que realmente destaca es el quinto track, segundo single (nadie entiende por qué) y mejor canción de 2010, “Round And Round”.

Tan concienzudamente armada como fluida, tan lo-fi como brillantemente producida, tan divertida como intrigante, esta canción es un deleite que no aburre aunque la escuchemos treinta veces en un día (créame, lo he hecho).

La línea del bajo es impresionante y no para, cada sección de la canción está pensada. Si incluso Ariel Pink dice “breakdown” durante un breakdown, o habla de air guitar o afirma que le gusta escribir las canciones que dicen “I like that!”… Todo para llegar a la conclusión de que “Round And Round” es un ejemplo perfecto para ver por qué una canción destaca. No se trata de un gancho pegajoso (eso es sólo vendedor) o que los instrumentos suenen increíble, sino que lo importante es que cada elemento esté en el lugar correcto (composición), que la idea esté bien implementada (producción), con la suficiente sangre (actitud) y con una idea que no se deforme (coherencia). Y “una y otra vez” “Round And Round” puede vanagloriarse de ser LA canción de 2010.

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